Mein künstlerischer Ansatz beinhaltet die Fragestellung nach der Bedeutung des Raumes, der sich im Bild manifestiert.
Diesen wünsche ich zu öffnen, aufzulösen und dadurch neu zu definieren. Als Analogien schaffe ich Flächen, die sich berühren, überlagern und in denen ein Übergang von der Fläche zum Körperlichen sichtbar wird.
Meine Untersuchung gilt dem Übergang vom eigenen Körper zum Raum im Bild, der Grenze zwischen der inneren und äußeren Wahrnehmung. Versatzstücke des Außen webe ich in das Bild ein. Das natürliche Licht verbindet das Gewebe des Trägers (Leinen, Baumwolle), der Farbe, des Papiers, des Betons, des Zementmörtels mit dem natürlichen Raum ähnlich einer malerischen Sonnenuhr. Das Ephemere wie Licht, Wind, Bewegung, Geruch ist für mich körperlich und fließt in meine Raumwahrnehmung ein.
Die Vorbereitung wie auch der Akt des Malens sind prozesshaft, basieren auf Stille, Zeit und materialintensivem Einfühlen. So schiebe ich die Farbe mit langen Pinseln, bis sie ein Gesamtlicht erhält, das das Bild trägt, zeichne reißend und schneidend in große Papierbahnen, nutze in Performances auch die Gegenkraft des Materials in Bezug zu meinem Körper. Mein Wunsch ist, den Raum des Bildes zu öffnen und das Außen in die Wahrnehmung des Bildkörpers zu integrieren.
Die Verletzlichkeit der Arbeitsprozesse bleibt sichtbar und fühlbar. Diese stellen Formen der Annäherung dar: So bedeutet ein Riss nicht nur etwas Zerstörtes, sondern auch die Option von Erweiterung, Innehalten, Durchlässigkeit, ein Verdrängen und Öffnen. In meiner Arbeit versuche ich, für die Möglichkeit von Raum und seiner Erweiterung zu sensibilisieren, der Wahrnehmung dessen in seiner Flüchtigkeit und gleichzeitig seiner Ewigkeit in der Erinnerung des Betrachtenden.
Rohes, Fragmentiertes, die Schönheit von unpopulären Farben entsprechen meiner Wahrnehmung der Welt, derer ich mich nur durch einen Versuch nähern kann, die sich gleichzeitig einer vollendeten Definition entzieht.
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In the artificial space of the image, I am investigating the transformational and sensual qualities of natural light in the transition from image space to real space.
My artistic approach includes questioning of the significance of the space that manifests itself in the image. I wish to open it up, break it down and thereby redefine it. As analogies, I create surfaces that touch, overlap and in which a transition to the physical becomes visible. They are torn, firm and rigid, soft or disintegrating. My concern is a sensual, tangible experience of pictorial space. I am concerned with the question of how the illusionistic image space is transformed in connection with the architecture and further with the exterior space through the influences of natural light. For me, the space of the image means an accumulation of mental and physical decisions that connect with the architectural space and open up to the real space of nature and ephemeral states such as light situations, movements and sounds.
Dealing with the „tear“
The tear or cut represents a line for me – an arabesque that incorporates the possibility of expansion, extension or pausing. A tear in the paper – sensed drawings of bodies in motion – opens up the material and an inner light and space between the paper webs vary depending on the daylight situation and the movement of the viewer. A tear does not only mean something destroyed; it can also represent the possibilities for expansion, pausing, permeability.
Temporary paper installation
I cut or tear lines into hanging or standing paper webs, observe their opening and falling, their straining against each other. Two-dimensional paper, a carrier of information or writing, opens up into three-dimensional space and the surface becomes a sculpture. The light in the works is not tangible but is palpable and eludes direct determination. The natural, changing daylight, like a „painterly sundial“, opens up the spatiality inherent in the image.
Painting
When painting with oil paints, I push and shape the material of the paint to achieve an overall light that carries the painting. The natural light peels into the layers of paint and changes the picture depending on the angle of view and time of day. Painting with ink makes the material of the support fabric even more apparent. The light comes not only from the outside, but also from the base tone of the fabric or the primer.
My image titles
The titles of the images lyrically identify moments of recollection of real circumstances as well as of movement and change of states: some examples include “Der Morgen schält den Asphalt” (“Morning peels the asphalt”), “Ein Versuch, ein Wort zu finden” (“An attempt to find a word”), “Der Himmel faltet sich ein” (“The sky folds in”). My concern is that the viewer grasps the work through his movement and inner gaze, so that a felt approach to the painting takes place. Raw and fragmented, the beauty of unsightly colours corresponds to my perception of the world, which I can approach only by attempting to do so and which at the same time eludes a consummate definition.