Janine Gerber ist eine bildende Künstlerin, die sich mit dem Thema des illusionistischen Bildes im Übergang zum umgebenden Raum auseinandersetzt. Äußere Faktoren wie das natürliche Tageslicht, Bewegung, Geruch „webt“ sie in die Fläche ihrer Arbeiten, um eine fühlbare Raumdarstellung zu schaffen und der Darstellbarkeit des natürlichen Lichtes nachzugehen. Ihre Medien sind die Malerei, die Skulptur, Performance, Video sowie Fotografie.
Als Malerin gilt meine künstlerische Auseinandersetzung der Fläche.
Dabei geben flüchtige Erscheinungen wie das natürliche Licht, Bewegungen sowie Bestandteile der Architektur wie Kanten, Ecken, Risse, Übergänge in der Natur Anlass für den formalen Zusammenhalt einer durch abstrakte Formensprache zu beschreibenden Arbeit.
Der Riss als Spur wie auch als Geste lässt das Außen in das Bild einfließen und verweist auf etwas außerhalb des Bildes. Der Riss, das Nachfahren von Körperlichkeit, Arabesken und Bewegung, stellt für mich eine Möglichkeit dar, eine Erweiterung wie auch ein Innehalten. Durch die Geste und die Art der Behandlung des Materials (u.a. Ölfarbe, Papier, Zementmörtel, Beton) wird die Verletzlichkeit der Arbeitsprozesse sichtbar und unterstreicht das Momenthafte der Wahrnehmung. Dabei schöpfe ich direkt auf der Fläche und aus dem Material und eine Körperlichkeit der Darstellung oder des Lichtes entsteht auf der Fläche. Der umgebende Raum mit seinem natürlichen Tageslicht oder seiner Architektur verbindet die Arbeit mit der Wand, der Decke oder dem Boden.
Meist selbstgeriebene Ölfarbe schiebe ich mit langen Pinseln auf der Fläche der Leinwand, sodass ein Gesamtlicht in der Farbe entsteht. Durch eine nass-in-nass-Malerei entwickelt sich das Bild aus der Farbe heraus und weniger durch eine feste Komposition. Das natürliche Licht reflektiert an Kanten und Spuren durch den Farbauftrag und lässt untere Schichten je nach Tageslicht und Blickwinkel erfahrbar machen. Mich interessiert die sinnliche Kraft der Farbe durch das Zusammentreffen von Pigmenten und deren Reibung. Aufgrund subtiler, differenzierter Veränderungen der Farbtöne werden Übergänge zwischen den Tönen herausgearbeitet hin zu einer Körperlichkeit der Farbe. Mein Anliegen ist eine physische Präsenz in der Farbe. Der Raum, der die Illusion einer Raumdarstellung oder Oberfläche birgt, soll fühlbar sein und das Licht ein Licht, das das Bild trägt.
Das Bild entfaltet seinen inneren Raum ähnlich eines Duftes, der zwar fühlbar ist, doch sich nicht aufdrängt, um das, was schon im Außen vorhanden ist, in die Arbeit „einzuweben“ oder offenzulegen. Mein Wunsch ist, dass man bei der Betrachtung und beim Wandern entlang der Arbeit dem inneren Blicken langsam folgt hin zu einer Entschleunigung des Sehens.
Radiointerviw „Der lächelnde Hase“ mit Madeleine Lauw und Carsten Rabe am 21.10.24 auf FSK HH:
Position. Katalog-Interview mit Carsten Rabe (Kurator), 2021
Dr. Thomas Piesbergen: Rede zum Possehl Kunstpreis Lübecker Kunst, 2019
ENG// Janine Gerber is a visual artist who explores the theme of the illusionistic image in transition to the surrounding space. She „weaves“ external factors such as natural daylight, movement and smell into the surface of her works in order to create a tangible representation of space. Her media are painting, sculpture, performance, video and photography.
As a painter, my artistic exploration focuses on the surface.
In doing so, fleeting phenomena such as natural light, movement and elements of architecture such as edges, corners, cracks and transitions in nature give rise to the formal cohesion of a work to be described through abstract formal language.
The crack as a trace as well as a gesture allows the outside to flow into the picture and refers to something outside the picture. For me, the tear, the tracing of physicality, arabesques and movement, represents a possibility, an extension as well as a pause. Through the gesture and the way the material is treated (including oil paint, paper, cement mortar, concrete), the vulnerability of the work processes becomes visible and emphasizes the momentary nature of perception. I create directly on the surface and from the material and a physicality of representation or light emerges on the surface. The surrounding space with its natural daylight or architecture connects the work with the wall, ceiling or floor.
I usually apply oil paint that I have rubbed myself onto the surface of the canvas with long brushes, so that an overall light is created in the paint. By painting wet-on-wet, the picture develops out of the paint rather than through a fixed composition. The natural light reflects on edges and traces through the paint application and allows the lower layers to be experienced depending on the daylight and viewing angle. I am interested in the sensual power of color through the encounter of pigments and their friction. Subtle, differentiated changes in the color tones are used to work out transitions between the tones towards a physicality of color. My concern is a physical presence in the color. The space, which holds the illusion of a spatial representation or surface, should be tangible and the light a light that carries the picture.
The picture unfolds its inner space like a fragrance that can be felt, but does not impose itself in order to “weave” or reveal what is already present on the outside into the work. My wish is that when looking at and walking along the work, one slowly follows the inner gaze towards a deceleration of seeing.
Translated with DeepL.com (free version)